100 artistas españoles reúne una selección de los más destacados artistas españoles en activo, propuestos a partir de la consulta a un comité formado por dieciséis prestigiosos críticos y comisarios nacionales. Cada artista cuenta con cuatro páginas en las que podemos encontrar un texto (español/inglés) que analiza su obra y trayectoria, escrito por reconocidos especialistas en arte contemporáneo, y una amplia selección de imágenes. En el apéndice final se recogen los datos biográficos más relevantes de cada artista.

Artistas incluidos:

Antoni Abad, Rafael Agredano, Pep Agut, Pilar Albarracín, Lara Almarcegui, Chema Alvargonzález, José Ramón Amondarain, Eugenio Ampudia, Daniel G. Andújar, Ibon Aranberri, Txomin Badiola, Eugènia Balcells, Jorge Barbi, Miquel Barceló, Elena Blasco, Isidro Blasco, Rosa Brun, Cabello/Carceller, Carmen Calvo, Miguel Ángel Campano, Eugenio Cano, Victoria Civera, Chema Cobo, Javier Codesal, Jordi Colomer, Carles Congost, Nacho Criado, Rufo Criado, Ángela de la Cruz, Elena del Rivero, Pep Durán, Jon Mikel Euba, Evru, Esther Ferrer, Alicia Framis, Dora García, Ferran García Sevilla, Iñaki Garmendia, Curro González, Luis Gordillo, Federico Guzmán, Juan Hidalgo, Cristina Iglesias, Prudencio Irazabal, Pello Irazu, Concha Jerez, Menchu Lamas, Francisco Leiro, Carlos León, Guillermo Lledó, Eva Lootz, Maider López, Rogelio López Cuenca, Enrique Marty, Mateo Maté, Miralda, Miquel Mont, Juan Luis Moraza, Joan Morey, Manu Muniategiandikoetxea, Antoni Muntadas, Paloma Navares, Marina Núñez, Itziar Okariz, José Antonio Orts, Mabel Palacín, Esther Partegàs, Antón Patiño, Carlos Pazos, Javier Peñafiel, Alberto Peral, Perejaume, Juan Pérez Agirregoikoa, Jaume Plensa, Txuspo Poyo, Ana Prada, Sergio Prego, Fernando Renes, Juan Carlos Robles, Pedro G. Romero, MP & MP Rosado, Francisco Ruiz de Infante, Manuel Saiz, Simeón Saiz Ruiz, Fernando Sánchez Castillo, Néstor Sanmiguel Diest, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Santiago Sierra, Fernando Sinaga, Susana Solano, Francesc Torres, Juan Ugalde, Darío Urzay, Juan Uslé, Isidoro Valcárcel Medina, Eulàlia Valldosera, Azucena Vieites, Darío Villalba, Virginia Villaplana. Los autores de los textos son: Peio Aguirre, Juan Vicente Aliaga, David Barro, José Luis Brea, Fernando Castro Flórez, Estrella de Diego, Pedro de Llano, Iván de la Torre Amerighi, Rocío de la Villa, Celia Díez, Carolina García, Amber Gibson, Beatriz Herráez, Ana Martínez-Collado, Neus Miró, Frederic Montornés, Seve Penelas, Martí Peran, Luis Francisco Pérez, José Luis Pérez Pont, Mónica Portillo, Glòria Picazo, Laura Revuelta, Francisco Javier San Martín, Rosa Olivares, Sergio Rubira, Alberto Sánchez Balmisa, Chus Tudelilla.

100 Artistas Latinoamericanos reúne una selección de los mejores artistas latinoamericanos en activo, propuestos a partir de la consulta y debate de un comité de expertos en arte latinoamericano. El libro se inicia con unos textos de introducción a cargo de Rosa Olivares, Ticio Escobar, Gerardo Mosquera, Andrea Giunta e Irma Arestizábal, que plantean la situación del arte desde Latinoamérica argumentándolo a través de distintas perspectivas: el propio concepto geográfico, las dinámicas centro-periferia, la tradición, el presente y el futuro, la internacionalización, encauzando así el sentido de esta reunión de artistas tan heterogénea y con un denominador común que, como se comprueba en las páginas siguientes, no es más aglutinador que diferenciador.

La selección de los 100 artistas se presenta siguiendo un orden alfabético. Cada artista cuenta con cuatro páginas en las que podemos encontrar un texto (español/inglés) de análisis sobre su obra y trayectoria, escrito por un grupo de especialistas en arte contemporáneo, y una amplia selección de imágenes que reflejan la evolución de su producción artística. Un apéndice final con los datos biográficos más relevantes de cada artista completa y cierra el volumen.

Artistas incluidos:

Brooke Alfaro, Allora & Calzadilla, Narda Alvarado, Francis Alÿs, Carlos Amorales, Armando Andrade Tudela, Alexander Apóstol, Moisés Barrios, José Bedia, Patricia Belli, Iñaki Bonillas, Tania Bruguera, Fernando Bryce, Waltercio Caldas, Miguel Calderón, Luis Camnitzer, Carlos Capelán, Maria Fernanda Cardoso, Los Carpinteros, Rolando Castellón, Sandra Cinto, Donna Conlon, Nicola Costantino, Rochelle Costi, Minerva Cuevas, José Damasceno, José Dávila, Juan Dávila, Gonzalo Díaz, Sebastián Díaz Morales, Eugenio Dittborn, Arturo Duclos, Juan Manuel Echavarría, Leandro Erlich, Iran do Espirito Santo, León Ferrari, Regina José Galindo, Carlos Garaicoa, Thomas Glassford, Fernanda Gomes, Guillermo Gómez-Peña, Beatriz González, Luis González Palma, Julio Grinblatt, Silvia Gruner, José Antonio Hernández-Díez, Arturo Herrera, Federico Herrero, María Teresa Hincapié, Alfredo Jaar, Roberto Jacoby, Yishai Jusidman, Guillermo Kuitca, David Lamelas, Gonzalo Lebrija, Jac Leirner, Carlos Leppe, Laura Lima, Aníbal López, Marcos López, Rafael Lozano-Hemmer, Jorge Macchi, Marco Maggi, Ana Maria Maiolino, Rubens Mano, Fabián Marcaccio, Teresa Margolles, Marepe, Cildo Meireles, Beatriz Milhazes, Priscilla Monge, Ronald Morán, Vik Muniz, Oscar Muñoz, Ernesto Neto, Rivane Neuenschwander, Tomás Ochoa, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Fernando Ortega, Jorge Pardo, Liliana Porter, Wilfredo Prieto, Raúl Quintanilla, Rosângela Rennó, José Alejandro Restrepo, Miguel Rio Branco, Miguel Ángel Rojas, Graciela Sacco, Doris Salcedo, Osvaldo Salerno, Pablo Siquier, Melanie Smith, Valeska Soares, Javier Téllez, Milagros de la Torre, Tunga, Adriana Varejão, Pablo Vargas Lugo, Miguel Ventura.

100 videoartistas es una arriesgada apuesta por un medio que nació hace 50 años y que hoy se ha convertido en el lenguaje visual más característico del siglo XXI. Una selección de 100 de los videoartistas más destacados e innovadores de la actualidad. Todas las generaciones de artistas, desde los pioneros que iniciaron el desarrollo de un medio que se coloca en un cruce de caminos entre el cine, la televisión, la fotografía y la acción, entre el arte conceptual, la crítica social y el documental, hasta los más jóvenes y experimentales. Una forma nueva y cambiante de expresión visual.

100 Videoartistas es un libro que reúne los ensayos de dos de los más importantes especialistas en la historia del vídeo y del panorama internacional más actual de la videocreación (David A. Ross y Christine Van Assche). De cada uno de los 100 artistas seleccionados se publica un ensayo realizado por un especialista e ilustrado con imágenes de algunos de sus vídeos más destacados (selección hecha por los propios artistas). La mayoría de los artistas han elegido al crítico o teórico que escribe su texto. Autores de todo el mundo y de todos los ámbitos participan con sus textos en una publicación que establece un punto de partida para estudiar y analizar la creación videográfica actual.

100 Videoartistas es la primera publicación realizada con un planteamiento internacional de este nivel: 100 artistas de 36 nacionalidades y 85 autores de 19 nacionalidades se unen para realizar un proyecto innovador e independiente, ajeno a las tendencias que colecciones, museos o mercado puedan plantear. Un trabajo realizado exclusivamente desde la creación visual y desde la crítica especializada.

Artistas incluidos:

Eija-Liisa Ahtila, Doug Aitken, Chantal Akerman, Francis Alÿs, Emmanuelle Antille, Kutlug Ataman, Michel Auder, Shoja Azari, Eugènia Balcells, Rosa Barba, Matthew Barney, Judith Barry, Yael Bartana, Guy Ben-Ner, Ursula Biemann, Dara Birnbaum, Manon de Boer, Candice Breitz, Klaus vom Bruch, François Bucher, Matthew Buckingham, Peter Campus, Janet Cardiff & George Bures Miller, Chen Chieh-Jen, David Claerbout, Javier Codesal, James Coleman, Phil Collins, Donigan Cumming, Jonas Dahlberg, Dias & Riedweg, Sebastián Díaz Morales, Willie Doherty, A K Dolven, Stan Douglas, Harun Farocki, Peter Fischli & David Weiss, Douglas Gordon, Rodney Graham, Johan Grimonprez, João Maria Gusmão & Pedro Paiva, David Hall, Doug Hall, Gary Hill, Hubbard/Birchler, Marine Hugonnier, Pierre Huyghe, Emily Jacir, Christian Jankowski, Isaac Julien, Jesper Just, William Kentridge, Joachim Koester, David Lamelas, Annika Larsson, Mark Leckey, Zilla Leutenegger, Mark Lewis, Marcellvs L., Christian Marclay, Dorit Margreiter, Steve McQueen, Bjørn Melhus, Aernout Mik, Tracey Moffatt, Bruce Nauman, Jun Nguyen-Hatsushiba, Tomás Ochoa, Marcel Odenbach, Melik Ohanian, João Onofre, Tony Oursler, Paul Pfeiffer, Pipilotti Rist, Julian Rosefeldt, Ulrike Rosenbach, Michal Rovner, Aïda Ruilova, Anri Sala, Hiraki Sawa, Ann-Sofi Sidén, Michael Snow, Sean Snyder, Jennifer Steinkamp, Hito Steyerl, Catherine Sullivan, Eve Sussman/Rufus Corporation, Fiona Tan, Sam Taylor-Wood, Salla Tykkä, Francesco Vezzoli, Bill Viola, Marijke van Warmerdam, Gillian Wearing, Apichatpong Weerasethakul, Jane & Louise Wilson, Robert Wilson, Yang Fudong, Catherine Yass, Artur Zmijewski.

Arte sonoro: una indisciplina. Este libro “indisciplinado” se puede convertir en una guía básica en el acercamiento al arte sonoro, una aproximación clara y más ordenada y limpia que otros muchos textos sobre el tema. José Iges escribe desde dentro de la propia materia: artista, teórico, divulgador, experto en el tema. Sin duda uno de los protagonistas, tal vez díscolo, del arte sonoro de las últimas décadas. “El lector de este libro no solamente se beneficiará de la amplísima experiencia cosechada por su autor después de varias décadas de trabajo como artista sonoro y compositor, sino, también —y acaso en aún mayor medida— de la sabiduría acumulada tras igual número de años en el desempeño de una labor sin par que nos ha permitido disfrutar de ese oasis radiofónico denominado Ars Sonora que Iges imaginó junto a Francisco Felipe en 1985, y que desde entonces hasta 2008 dirigió y presentó cada semana, en lo que sin duda constituye el más duradero y ambicioso esfuerzo de divulgación consagrado al arte sonoro y las músicas experimentales no ya en nuestro país, sino también en nuestra lengua.” (Miguel Álvarez-Fernández).

Sobre el autor:

José Iges (Madrid, 1951) es compositor y artista multidisciplinar; ingeniero industrial y doctor en Ciencias de la Información. Dirigió entre 1985 y 2008 en Radio Clásica (RNE) el espacio Ars Sonora. Ha sido entre 1999 y 2005 coordinador del grupo Ars Acústica de la UER, del que fue miembro fundador. Fue asimismo presidente de la AMEE (Asociación de Música Electroacústica de España) entre 1999 y 2002. En solitario y junto a la artista Concha Jerez ha realizado instalaciones, performances, conciertos InterMedia, obras de arte radiofónico, vídeos, fotomontajes digitales y diversa obra gráfica. Ha compuesto obras para cinta y para soporte digital, así como para solistas y electrónica y para conjuntos instrumentales. Realiza conferencias, talleres y exposiciones sobre arte sonoro y radioarte. Es autor de diversos libros sobre esos temas, entre los que cabe mencionar su Tesis Doctoral Arte Radiofónico (UCM, 1997), Conferencias sobre arte sonoro (Árdora, 2017) y El giro notacional (CENDEAC, 2019).

Contexto Crítico. Fotografía española siglo XXI es un proyecto expositivo que plantea el cambio generacional de la fotografía española. Estos 20 artistas no son los únicos y por supuesto no sabemos si son los mejores. No se trata de una apuesta exclusiva, sino de poner el foco de atención en 20 nombres, 20 formas de trabajar, 20 formas de plantear diferentes formas expresivas, diferentes formas de exponerse.

Contexto Crítico es solamente una exposición de fotógrafos jóvenes españoles, pero la diferencia es que entre estos 20 nombres están algunas de las más interesantes propuestas, los ganadores de los premios nacionales e internacionales más destacados del momento. La diferencia está en prestar atención a las nuevas generaciones, a artistas entre los límites de los 30 años, por abajo y por arriba, o en simplemente no prestarles ninguna atención.

Estos 20 artistas no pertenecen nada más que a una misma generación y a un mismo lugar de origen, sus trabajos, sus temas, sus intereses son diferentes. No forman escuela, ni grupo de presión, ni siquiera han expuesto juntos anteriormente. No proceden de las mismas escuelas, sólo son compañeros de viaje circunstanciales. Hay muchos más artistas de estas edades, y de otras, con obras interesantes, con proyectos importantes; pero Contexto Crítico sólo es una opción, solamente es una exposición de fotografía española del siglo XXI. Una selección de artistas comisariada, no producto de una convocatoria ni de concursantes en un premio. No es una colectiva más, es una llamada de atención.

Artistas incluidos:

Rubén Acosta, Paula Anta, Juan Baraja, Mikel Bastida, Angel de la Rubia, Cristina De Middel, Jorge Fuembuena, Julio Galeote, Paula Gortázar, José Guerrero, Ali Hanoon, Anna Huix, Jesús Madriñán, Juan Carlos Martínez, Ignacio Navas, Vanessa Pastor, Aleix Plademunt, Alberto Salván Zulueta, Miguel Ángel Torneo, Antonio Xuobanova.

Darío Escobar. Ensayos dispersos. En este libro se reúnen una selección de los ensayos dispersos que se han escrito sobre Darío Escobar desde finales de los 90 hasta hace unos días, finales de 2019. Textos, diálogos, sugerencias y opiniones, palabras que nos acercan al núcleo y al contexto de una obra singular en el panorama internacional del arte actual. 

Todos los que aquí reúnen sus “ensayos dispersos” son autores reconocidos, unos son jóvenes, y otros que pasaban por allí de visita desde los territorios de la literatura o la filosofía, pero todos conocen bien de lo que habla Escobar, conocen parte de la historia que nos está contando.

Autores incluidos:

Luis Fernando Quirós, Mario Navarro, Ariel Ribeaux, Rosina Cazali, Clara Concepción Astiasarán, Doris Sommer, Ernesto Calvo, Víctor Zamudio-Taylor, Kevin Power, Thomas Cummins, Alma Ruiz, Christian Viveros-Fauné, José Luis Falconi, Javier Payeras, Pilar Tompkins, Laura Wellen, Josseline Pinto, Octavio Zaya, Robert Baker, Michel Blancsubé, Luis González Palma, Jorge Lopera, Julia Buenaventura y Sandra Cerisola.

En El fin de los libros, se describe una reunión en la que los miembros congregados van exponiendo los cambios que vislumbran de cara al nuevo siglo XX. Ante la sorpresa general, uno de ellos anuncia el final del papel. Partiendo de ese texto del s. XIX, Jaime Narváez ha
escrito El libro tras el anuncio de su muerte, un elogio del libro físico en el que afirma que lo digital nos ha forzado a volver a pensar sobre los objetos que nos rodean y a reconsiderar el valor de lo material.

Jaime Narváez trabaja como diseñador gráfico en Madrid. Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, es autor de varias publicaciones de carácter experimental que han sido publicadas por editoriales como Belleza Infinita, Phree o Terranova. El libro tras el anuncio de su muerte es su primer ensayo.

ELLAS. Diccionario de mujeres artistas hasta 1900. (Vol. nº 1) Un total de 717 artistas, entre los años 1060 y 1900, procedentes de más de 50 países, conforman una historia del arte paralela a la oficial. Un conjunto de artistas, movimientos, tendencias, estilos, géneros artísticos y lenguajes plásticos que confirma la presencia y la importancia de las mujeres artistas a través de la historia, con especial atención en los siglos XVII, XVIII y XIX.

Mujeres artistas esenciales en su momento histórico como Angelika Kauffmann o Rosa Bonheur, por supuesto Artemisia Gentileschi, y Claude Cahun; pero también Alice Austen y Tina Modotti, Georgia O’Keefe, y Marie Laurencin, y Madame Yevonde, o Consuelo Kanaga; Gabriele Münter y Nahui Olin, las hermanas Sorolla y Luisa Roldan, o Paula Modersohn-Becker… Fotógrafas, diseñadoras, pintoras, ilustradoras, dibujantes, escultoras, grabadoras, cineastas… Desde Samoa hasta Francia, Estados Unidos o Alemania, desde Ucrania hasta Filipinas. Con una importante presencia de las pioneras latinoamericanas y de las artistas españolas. Un mapa mundial de nombres desconocidos pero imprescindibles para completar la verdadera y total historia del arte universal.

Este primer volumen de ELLAS es la primera parte del proyecto que se completará con un segundo volumen dedicado exclusivamente a las artistas nacidas entre 1900 y 1950, un panorama mucho más abierto y actual, con más visibilidad del trabajo de las mujeres artistas, pero que mantiene muchos de los problemas y actitudes que vemos en siglos anteriores.

De cada artista se da la información biográfica y profesional, incluyéndola en su momento histórico y cultural, analizando su obra e informando de donde se puede encontrar hoy alguno de sus trabajos. Unas 681 imágenes de obra y retratos de época acompañan los textos, y se cierra el libro con los índices alfabéticos, cronológicos, por países y por materia artística, como apoyo a cualquier estudio, consulta o investigación.

Una popular frase nos avisa de que “el movimiento se demuestra andando”, lo que no es del todo cierto, porque hay muchas variaciones de la idea de movimiento. En este número 89 de EXIT hacemos un repa­so a algunos nombres, algunos clásicos, otros nuevos, intentando mostrar ejemplos de cómo la fotografía se esfuerza por salir de la inmovilidad sin moverse, sin dejar de ser una fotografía. Personas, paisajes, el cielo, el mar, la naturaleza, la ciudad… La fotografía y los fotógrafos se esfuerzan por mostrar sutilmente el movimiento latente de la vida, del mundo.

EXIT 89 Movimiento reúne el trabajo de hasta quince fotógrafos que, desde distintas perspectivas, son representativos del tema. El texto central, firmado por el comisario Carlos Gollonet propone una breve, pero muy bien documentada, historia de la relación entre la fotografía y el movimiento. Este ejercicio de escritura se ilustra mediante el trabajo de fotógrafos de gran prestigio, entre los que encontramos a Etien­ne-Jules Marey, Duane Michals, Nicholas Nixon o Eadweard J. Muybridge, entre otros. En el apartado de dosieres, presentamos el trabajo de ocho fotógrafos. Greg Anthon, Sanna Kannisto y Yuki Onodera utili­zan un mismo motivo —los pájaros— para investigar alrededor del vínculo entre fotografía y movimiento; todos ellos, a pesar de compartir temática, tienen aproximaciones, miradas, completamente distintas. Las fotografías de Hans-Christian Schink, realizadas mediante larga exposición, tratan de captar el movimien­to aparente del Sol, que no es más que la rotación propia de la Tierra. Corinne Vionnet y Michael Wesely atienden al movimiento de la multitud, también a través de distintas técnicas y enfoques conceptuales. Ricardo Sánchez, por su lado, se inserta en la tradición taurina para explorar el movimiento del animal y el hombre en esta práctica. Por último, Jonathan Shaw quien, hasta ahora, ha dedicado buena parte de su trayectoria a explorar las posibilidades de movimiento en la fotografía, presenta parte de su trabajo centra­do en el baloncesto y en el ballet.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generacio­nes, presentamos a Miia Autio, Mark Duffy, Maria Jou Sol, Douglas Mandry y Simone Sapienza.

Editorial

Rosa Olivares. Que no se mueva nadie

Textos

Carlos Gollonet. Fotografía y movimiento

Artistas tema central

Greg Anthon, Harold Edgerton, Sanna Kannisto, Jacques Henri Lartigue, Helen Levitt, Etienne-Jules Marey, Duane Michals, Eadweard J. Muybridge, Nicholas Nixon, Yuki Onodera, Thomas Ruff, Ricardo Sánchez, Hans-Christian Schink, Jonathan Shaw, Corinne Vionnet y Michael Wesely

Artistas portfolio

Miia Autio, Mark Duffy, Maria Jou Sol, Douglas Mandry y Simone Sapienza

Podemos entender un álbum como una superficie, un dispositivo o un artefacto en el que una o varias personas inscriben la memoria de una experiencia, en el que tratan de dejar constancia de su paso o de reflejar uno de los perfiles de su identidad. En este número 90 de EXIT abrimos una primera puerta para tratar el tema del álbum desde una perspectiva propia, íntima, atendiendo a trabajos de fotógrafos que han utilizado esta estrategia para hablar de algo particularmente cercano a ellos mismos: su familia, su entorno, sus amistades o, incluso, ellos mismos.

EXIT 90 Álbum I – Relatos propios reúne el trabajo de hasta dieciséis fotógrafos que, desde distintas pers­pectivas, son representativos del tema. El texto central, firmado por la investigadora María Rosón habla del álbum y la compilación fotográfica como una estructura de memoria y una escritura del yo/nosotras, apoyándose en trabajos de artistas como Jo Spence, Fernando Montiel Klint, Anna Fux o Ignacio Navas. En el apartado de dosieres, presentamos el trabajo de doce fotógrafos. Trish Morrissey abre el camino con un ejercicio de ficción; Sian Davey y Doug DuBoys documentan su entorno cotidiano, vinculado a perso­nas de su familia; Ana Casas Broda, Sara Davidmann, Diana Tamane y Suwon Lee desempolvan archivos familiares para revisitar el concepto de álbum; Sara Angelucci y Joy Gregory hacen un ejercicio similar pero a partir de objetos como una cartera o la ropa de un armario; Lebohang Kganye, Chino Otsuka y Jon Uriarte intervienen, manipulan, directamente en los archivos, ya sea desde la fantasmagoría como desde el borrado.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes del panorama contempo­ráneo, presentamos a Laia Abril, Nicola di Giorgio, Clothilde Matta, Marianne Matouk y Kamonlak Sukchai.

Editorial

Rosa Olivares. A veces veo muertos: memoria y ficción

Textos

María Rosón. Álbum de fotografías. Entre la colección de huellas y las escrituras del nosotras

Artistas tema central

Sara Angelucci, Ana Casas Broda, Sian Davey, Sara Davidmann, Doug DuBois, Anna Fux, Joy Gregory, Lebohang Kganye, Suwon Lee, Fernando Montiel Klint, Trish Morrissey, Ignacio Navas, Chino Otsuka, Jo Spence, Diana Tamane y Jon Uriarte

Artistas portfolio

Laia Abril, Nicola di Giorgio, Clothilde Matta, Marianne Matouk y Kamonlak Sukchai

Partiendo de las fluctuaciones y expansiones disciplinarias, este número 93 de EXIT se sitúa en las intersecciones entre fotografía y escultura, recogiendo y reflexionando sobre algunas de las formas de esta tipología fotográfica que podría definirse como escultórica. EXIT 93 – Escultura reúne el trabajo de diecisiete fotógrafos que, desde distintas perspectivas, producen imágenes que se sitúan en este cruce disciplinar, acompañados de una entrevista de Paco Barragán a Erwin Wurm, conocido por sus One Minute Sculptures, y de un texto central firmado por la historiadora del arte Jane Vuorinen, en torno a estos espacios nuevos generados entre la fotografía y la escultura, de la mano de artistas como Thomas Demand, Barbara Kasten, Marlo Pascual y Patricia Voulgaris, entre otros.

Editorial: Rosa Olivares. Fotografía escultórica.

Entrevista: Paco Barragán. Erwin Wurm. ¿Qué define a una escultura?

Texto central: Jane Vuorinen. Más que fotografía y escultura: interacciones difractivas.

Artistas tema central: Julio Galeote, Ton Zwerver, Annika Elisabeth von Hausswolff, Isabelle Wenzel, Jürgen
Klauke, Alejandra Laviada, Mathieu Pernot, Aleksey Kondratyev, Mauricio Alejo, Frank Breuer.

Artistas portfolio: Louise Amelie, Andrea Carilla, Catherine Panebianco, Oleñka Carrasco, Rita Puig-Serra
Costa.

Hace exactamente doce años, en abril de 2012, dedicamos el número de primavera de EXIT al nuevo documentalismo. Doce años después, volvemos a mirar qué tipo de documentalismo se construye ahora, pero esta vez centrando el foco en aquel con acento español. EXIT 94 reúne el trabajo de dieciséis documentalistas españoles que articulan su mirada desde diversas perspectivas para ofrecer una ventana sensible desde donde narrar historias.

Editorial: Rosa Olivares. Todo en todas partes al mismo tiempo. 

Artistas tema central: Carlos Spottorno, Jonás Bel y Rafael Trapiello, Bleda y Rosa, Eduardo Nave, Alfredo Cáliz, Jordi Ruiz Cirera, Enrique Escandell, Sofía Moro, Susana Girón, Navia, Samuel Nacar, Ana Palacios, Laia Abril, Carlos Sanva.

Artistas portfolio: Hailun Ma, Mário Macilau, Mauro Curti y Cristóbal Ascencio.

Estamos en un momento en el que la masculinidad atraviesa preguntas, cuestionamientos y una profunda reflexión sobre qué significa ser hombre. La masculinidad es una construcción, una tecnología de género, una polaridad y una pregunta abierta. En este número hemos querido explorar los espacios y las condiciones de la masculinidad partiendo de conceptos como el poder, la visibilidad, la mirada, el deseo o la educación. Contando con textos de dos autoras fundamentales en este campo, bell hooks y Abigail Solomon- Godeau, recorremos ritos de paso, coreografías de género, la masculinidad como disfraz, como herencia no elegida y como opción.

A través de distintos dossieres de artista veremos de la mano de Sam Taylor-Johnson a actores icónicos llorando, la codificación de la danza según Valérie Belin, las marcas de género en el espacio con Cabello/Carceller, la construcción de la masculinidad en el deporte con Alix Lambert o Nicolai Howalt, el archivo secreto de Juan Carlos Martínez o los distintos tipos de canon a través de Barbara Hammer, Juanjo Herrera o Catherine Opie. Masculinidad en singular y también en plural, como escritura del cuerpo y como imagen reflejada.

Editorial

Rosa Olivares, Los hombres también lloran

Textos

Bell Hooks, Ser un chico

Abigail Solomon-Godeau, Problema(s) masculino(s): otra vez el mismo déjà vu

Artistas

Valérie Belin, Cabello/Carceller, Javier Campano, Michal Chelbin, Othello de Souza Hartley, Camila Falquez, William Glaser, Barbara Hammer, Juanjo Herrera, Nicolai Howalt, Mariah Karson, Alix Lambert, Lyle Ashton Harris, Juan Carlos Martínez, Catherine Opie, René Peña, Jack Pierson, Stefan Ruiz, Collier Schorr, Laura Stevens, Sam Taylor- Johnson

Hemos invitado a distintos críticos, artistas, comisarios y expertos en fotografía a que eligieran su imagen favorita. Esa foto que de alguna manera les marcó por alguna razón; el artista que siempre les ha acompañado o una composición que influyó en su manera de ver y apreciar la fotografía. Encontraremos distintas respuestas y aproximaciones: Rosalind Krauss, Roland Fischer, Manuel Borja-Villel, Cristina de Middel, Alberto García-Alix o Estrella de Diego son solo algunos de los profesionales que han compartido ese “álbum” secreto. Y han elegido para ello a artistas de la historia de la fotografía como Berenice Abbott, Walker Evans, Koudelka, Nan Goldin o Renger- Patzsch, por citar solo algunos. Pero también hay cabida para aquellas imágenes que por alguna razón permanecen en algunos rincones privados, y que han marcado la trayectoria de fotógrafos como Jonás Bel, Gerardo Montiel Klint o JH Ëngstrom. Tu foto favorita es un homenaje a la fuerza sempiterna de la fotografía, que siempre es la misma: ya sea en una exposición, escondida en una hoja de contactos, o enmarcada sobre una mesilla de noche.

Editorial: 

Mi foto favorita, Rosa Olivares.

Textos:

Ignasi Aballí, Lothar Albrecht, Antonio Ansón, Roger Ballen, Alberto Baraya, Marwan Bassiouni, Jonás Bel, Valérie Belin, Peter Bialobrzeski, Manuel Borja-Villel, Cabello/Carceller, Carmen Calvo, David Campany, Estrella de Diego, Cristina de Middel, Rafael Doctor, Jacques Doyon, Nela Eggenberger, JH Ëngstrom, Manel Esclusa, Peter Fetterman, Roland Fischer, Anna Fox, Jens Friis, Jorge Fuembuena, Paul Gaffney, Alberto García-Alix, Amparo Garrido, Lola Garrido, Marta Gili, Dionisio González, Luis González Palma, Carles Guerra, Felipe Hernández Cava, John Hilliard, Graciela Iturbide, Anastasia Khorosilova, Rosalind Krauss, Jesús Madriñán, Mauricio Maillé, Gerardo Montiel Klint, Rafael Navarro, José Manuel Navia, Cecilia Paredes, Bernard Plossu, Sergio Rubira, Carlos Spottorno, Urs Stahel, Frank Thiel, Rafael Trapiello, Willem van Zoetendaal, Paul Wombell y Octavio Zaya.

Una mirada hacia y desde la negritud. En EXIT 81 hemos tratado de abordar desde una sensibilidad amplia y compleja el tema de la negritud. Para ello, se ha partido de premisas como la construcción del cuerpo (político) negro desde la imagen, la consciencia de la negritud como identidad o la expresión y experiencia de un racismo estructural presente en la sociedad.

Sobre la fotografía como fracaso para la autorrepresentación —particularmente de las personas negras— nos habla Leigh Raiford en un texto centrado en Erica Deeman y su entusiasmo por expandir el campo de la fotografía; Esther (Mayoko) Ortega y Rubén H. Bermúdez reflexionan en una conversación sobre los cambios acaecidos en el contexto de la fotografía afroespañola. En la sección dossier encontramos aproximaciones muy plurales al tema: los Jamaican Portraits de Albert Chong; la serie Americas de Lyle Ashton Harris centrada en los términos whiteface y blackface; los ya clásicos retratos de Seydou Keïta en Mali; la serie Afropean de Johny Pitts, interesado en documentar —sin caer en la exotización o la pose excesiva— el día a día de la diáspora negra en Europa; el trabajo de Carrie Mae Weems, problematizando el concepto “gente de color” para dirigirse a la comunidad afroamericana; la serie Reducción de Felipe Romero Beltrán, centrada en la violencia policial que sufre la comunidad negra en ciudades como Madrid; el trabajo de Andrew Jackson en el que explora la intersección entre britanidad, clase y masculinidad; o Project Diaspora de Omar Victor Diop, trabajo en el que reivindica las narrativas de africanos relevantes históricamente fuera de África.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presentamos a Virginia Villacisla, Catarina Osorio de Castro, Bénédicte Blondeau, Terje Abusdal y Federica Landi.

En EXIT 81 se demuestra cómo a pesar de que nadie es absolutamente negro ni, mucho menos, absolutamente blanco, el color parece importar demasiado.

Editorial:
Oscuro, casi negro

Textos:
Leigh Raiford. Nuevos territorios para la fotografía
Rubén H. Bermúdez y Esther Mayoko Ortega. Lo que nos conecta

Artistas:
Terje Abusdal, Lyle Ashton Harris, Bénédicte Blondeau, Albert Chong, Angelica Dass, Erica Deeman, Adji Dieye, Agnes Essonti, Rubén H. Bermúdez, Andrew Jackson, Seydou Keïta, Federica Landi, Felipe Romero Beltrán, Tiffany López Ganet, Carrie Mae Weems, Megane Mercury, Zanele Muholi, Catarina Osorio de Castro, Johny Pitts, Heidi Ramírez, Omar Victor Diop, Virginia Villacisla.

Mucho sentimiento. Las páginas del nuevo EXIT 82 están llenas de dolor, de soledad y de tristeza, también de amor, de deseo, de placer, de bienestar, de ira y de alegría. Este EXIT 82 está dedicado a los sentimientos y a cómo la fotografía es capaz de atraparlos en un parpadeo, en un guiño, antes de que se escurra por el borde de la lente.

Los textos centrales del presente número proponen un recorrido por la historia de la fotografía como “transportadora” de sentimientos en el caso de Laura Terré; y una revisita a las imágenes de niños llorando de Jill Greenberg por parte de Paul Wombell para hablarnos de la presente situación política en Estados Unidos. Los sentimientos son muchos más de los que uno puede llegar a imaginar. Los hemos trabajado desde la narrativa —fotógrafos que explican una historia repleta de emociones— con Nobuyoshi Araki, Pedro Meyer, Kelli Connell, Laura Stevens, Larry Sultan y Florian van Roekel; desde las expresiones —artistas que se centran en los rostros y en cómo estos expresan sentimientos—, con Kader Attia, Tracey Moffatt, Dawn Parsonage, Edward Rozzo, Sam Taylor Johnson, Antoine d’Agata, Bas Jan Ader y Christopher Anderson; y hemos dedicado un último apartado a ver cómo los avances tecnológicos se han interesado por las emociones, un hecho que se transmite en los proyectos de Satoshi Fujiwara, Clément Lambelet y Lauren McCarthy y Kyle McDonald.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presentamos a Lucero Alomía, Luis Carlos Tovar, Helena Goñi, Alison Luntz y Fabio Cunha.

Reír, llorar....incluso bostezar, todo sentimiento y emoción cabe dentro del nuevo EXIT 82 Sentimientos.

Editorial 

Ser o sentir

Textos

Laura Terré. La llave de los sentimientos

Paul Wombell. End Times

Artistas

Bas Jan Ader, Antoine d’Agata, Lucero Alomía, Christopher Anderson, Nobuyoshi Araki, Julia Margaret Cameron, Kader Attia, Kelli Connell, Fábio Cunha, Therese Frare y Oliviero Toscani, Toni Frissell, Satoshi Fujiwara, Helena Goñi, Jill Greenberg, Clément Lambelet, Charles Levy, Alison Luntz, Lauren Lee McCarthy y Kyle McDonald, Pedro Meyer, Tracey Moffatt, Isabel Muñoz, Dawn Parsonage, Man Ray, Florian Van Roekel, Edward Rozzo, Alfred Stieglitz, Laura Stevens, Sam Taylor Johnson, Larry Sultan y Luis Carlos Tovar.

Dormimos aproximadamente un tercio de nuestras vidas, con suerte soñamos con frecuencia diaria, aunque no recordemos lo que hemos soñado la mayoría de las veces, varios sueños por noche, sueños largos y cortos en los que podemos ser el príncipe, la princesa y el dragón sin ningún prejuicio ni problema. El nuevo EXIT 85 está precisamente dedicado a los durmientes y a los sueños. Desde los lugares en los que se duerme, a la vulnerabilidad y fragilidad que implica el hecho de estar dormido, hasta las poéticas y estéticas del sueño.

Se reúnen en EXIT 85 Durmientes y soñadores los textos centrales de la investigadora Sharon Silwinski y de la misma fundadora de EXIT, Rosa Olivares. Silwinski atiende a una dimensión política del sueño, en el que dormir puede considersarse una resistencia al progreso pero deber ser también un derecho. Un texto que se ilustra con fotografías de Oscar Rejlander, Niv Acosta y Fannie Sosa, Magnus Wennman y Sam Taylor-Johnson. Por su lado, Olivares nos ofrece un paseo estético sobre la cama y los sueños con fotografías de Luis González Palma, Donovan Wylie, Sophie Calle, Elliott Erwitt y Félix González-Torres. Los dosieres de EXIT 85 miran hacia los que durmen en la calle con Francis Alÿs y Lars Klingenberg; también a los que lo hacen en la playa, como vemos en las fotografías de Carlos Pérez Siquier y Tadao Cern; y a los que lo hacen en los cafés, como nos muestra Guillaume Hebert. A través de las fotografías de Annaleen Louwes, María Friberg y Natacha Lesueur nos acercamos a una dimensión más conceptual del durmiente. Y, por último, con Ferdinando Scianna nos adentramos en exteriores e interiores donde los durmientes descansan plácidamente y en blanco y negro.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presentamos a Sonsoles Company, César Dezfuli, Julio Galeote, Nicolas K Feldmeyer y Erinn Springer.

Editorial

Rosa Olivares. Nosotros, los durmientes

Textos

Sharon Silwinski. El derecho a dormir, tal vez soñar

Rosa Olivares. Sobre camas, viajes, sueños y naufragios

Artistas tema central

Niv Acosta y Fannie Sosa, Francis Alÿs, Nygårds Karin Bengtsson, Mark van den Brink, Sophie Calle, Tadao Cern, Elliott Erwitt, Maria Friberg, Luis González Palma, Félix González-Torres, Guillaume Hebert, Lars Klingenberg, Natacha Lesueur, Annaleen Louwes, Annaleen Louwes, Carlos Pérez-Siquier, Oscar Rejlander, Ferdinando Scianna, Sam Taylor-Johnson, Magnus Wennman y Donovan Wilye.

Artistas portfolio

Sonsoles Company, César Dezfuli, Julio Galeote, Nicolas K Feldmeyer y Erinn Springer

Cientos, miles, millones de retratos flotan en nuestra memoria individual y colectiva. Los retratos de la historia del arte, los de los famosos, los de los amigos de ayer, de hoy y de todos los futuros, los de mi familia y los de todas las familias que han existido, los de los delincuentes en millones de fichas en los archivos policiales de cada país del mundo. Los selfies de cada día, y los retratos de boda, de bautismo, de cada cumpleaños, de todos los muertos que alguien quiso no perder del todo.... EXIT 87 Tipologías del retrato es, justamente, un número que reúne retratos desde su diversidad más amplia.

EXIT 87 Tipologías del retrato se inicia con un ensayo de Rosa Olivares, quien repasa cómo el retrato ha sido tratado en la fotografía a través de varios artistas como pueden ser Germán Gómez, Thomas Ruff o Catherine Opie entre muchos otros. Son diez los fotógrafos que, a través de sus dosieres, definen las distintas tipologías de retrato de EXIT 87. Pierre Gonnord, especialmente conocido por el tratamiento de la luz y el claroscuro en sus retratos, fotografía la comunidad gitana o colectivos marginalizados como los mendigos; Katy Grannan, usando el entorno urbano como estudio de fotografía improvisado, se acerca a personas anónimas de San Francisco y Los Ángeles; Bill Jacobson, con un estilo mucho más conceptual, trabaja el retrato desde el fuera de foco y la imagen que se devanece; Juan Rodrigo Llaguno nos acerca al retrato más clásico en México y Nikki S. Lee reflexiona sobre cuestiones de género en el retra­to a través de su serie Parts. El retrato y la máscara están presentes a través del trabajo de Ralph Eugene Meatyard y, Nelson Morales, desde un punto de vista más antropológico, nos muestra a las comunidades Muxe de México. La fragmentación en el retrato está presente en el proyecto de Karen Navarro, mientras que Humberto Rivas nos devuel­ve de nuevo a un retrato más clásico en blanco y negro. Por último, mucho más color encontraremos en el trabajo de Carlo Van de Roer, cuyo proyecto está estrechamente vinculado con lo cromático y las emociones en el retrato.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presenta­mos a Céline Bodin, Matthew Leifheit, Rubén Martín de Lucas, Soumya Sankar Bose y a Dana Ariel.

Editorial

Rosa Olivares. Yo soy todos ellos

Textos

Rosa Olivares. El retrato infinito

Artistas tema central

Roger Ballen, Nancy Burson, Germán Gómez, Pierre Gonnord, Katy Grannan, Pieter Hugo, Bill Jac­obson, Juan Rodrigo Llaguno, Nikki S. Lee, Ralph Eugene Meatyard, Hellen Van Meene, Nelson Morales, Zwelethy Mthe­thwa, Karen Navarro, Catherine Opie, Humberto Rivas, Carlo Van de Roer, Thomas Ruff, August Sander, Andrés Serrano

Artistas portfolio

Céline Bodin, Matthew Leifheit, Rubén Martín de Lucas, Soumya Sankar Bose, Dana Ariel

La escucha del ojo. Un recorrido por el sonido y el cine es un libro de Marina Hervás que analiza el cine desde la vista y los oídos. Se trata de un recorrido que tiene como objetivo poner en cuestión el rol subsidiario de la escucha y mostrar cómo justamente, en la construcción sonora del audiovisual, se cuelan algunas prein­terpretaciones o construcciones ideológicas, se dirige nuestra reacción emocional o se acota la lectura del sustrato narrativo.

“¡Esperen, esperen, no han escuchado nada todavía!”: esa es la frase con la que Jackie Rabinowitz —convertido ya en Jack Robin— (Al Jolson), en El cantor de jazz (The jazz Singer, Alan Crosland, 1927), preparaba al público para la siguiente canción de su espectáculo: “Toot, toot, tootsie Goo­dbye”. Se considera el momento fundacional del sonido sincronizado en el cine, pese a que no fue el primer intento. Sí fue, eso sí, el primero que tuvo éxito y acogida: tanta, que cambió el cine para siempre. Quién iba a suponer que, en esa frase, se iban a condensar buena parte de los problemas y retos de la relación entre el sonido y el cine. En este libro se invita, obedientemente, a escuchar todavía el cine.

Sobre Marina Hervás:

Marina Hervás es Doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona (gracias a una beca FPU), licenciada en Filosofía (Universidad de La Laguna), licenciada en Historia y Cien­cias de la Música (Universidad de La Rioja) y Máster en Teoría del Arte y Gestión Cultural. En 2012 obtuvo el primer premio nacional de investigación en ciencias sociales y humanidades Arquí­medes del MECD. Ha realizado estancias pre- y posdoctorales en el Instituto de Investigación Social de Frankfurt y en la Akademie der Künste de Berlín. Actualmente es profesora ayudante doctora del Departamento de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada.

La vestimenta. Una historia entre modas y disidencias. Sonia Capilla toma la vestimenta como objeto de estudio para trazar una historia del arte contemporáneo que visita los asuntos fundamentales que ocupan a la creación artística que se circunscribe entre finales del siglo xix y la actualidad.

Este libro transita por la relación con el paso del tiempo comprendiendo la durabilidad de lo producido, por la diferenciación entre la poética del lujo juicioso y la ostentación excluyente, por la exploración de la definición prejuiciosamente establecida contra las corporalidades diversas y por una definición universalista del concepto de comunidad, trasladando este formato expresivo, la vestimenta, desde el ámbito doméstico al centro mismo del debate. Es una historia que transcurre entre la moda y la disidencia, en la que el anonimato de las manos creadoras son tan protagonistas como los apellidos de quienes capitanean las tendencias, con la intención de remitir la vestimenta a quienes la reciben como una herramienta transformadora.

Sobre la autora:

Sonia Capilla (Cáceres, 1971) es vestuarista y escritora. Se doctora en estudios artísticos, literarios y de la cultura con la tesis que da origen a Vestimenta, una historia entre la moda y la disidencia. Como vestuarista cuenta con una larga trayectoria realizando trabajo técnico en proyectos cinematográficos y audiovisuales tanto nacionales como internacionales, así como en el teatro. Ya en la dirección de vestuario participa en propuestas escénicas como La Romería de los Cornudos de Federico García Lorca o Juana, para el Teatro Español, y realiza vestuarios como el de B, la película y el del largometraje experimental Dulcinea.

Pablo Genovés. Precipitados incluye los últimos trabajos de Genovés, unas imágenes que al igual que en anteriores series, remiten al lienzo, a la pintura, gracias a la mezcla de representaciones reales y digitales que dialogan y toman vida propia en el objeto-archivo que es la fotografía. La memoria queda atrapada en estas imágenes, en las que el ser humano desaparece oculto por la marea, por enormes olas, bajo toneladas de tierra que se llevan consigo nuestros deseos. La temporalidad de esos bellos entornos creados por el hombre nos recuerda la de la propia vida y evoca el poder de la naturaleza: lujo, amor, felicidad, inmortalidad. Eros y Tánatos cogidos de la mano.

“El agua. Océanos de agua bramando como una tempestad en Saturno. Planetas enteros de tierra que sepultan. Ay, el tiempo, el tiempo. ¿Y toda esa belleza? ¿Ese poder? ¿Y la belleza?”, Ángeles Caso [Artículo en la sección de cultura de El País].

¿Por qué hoy todos los paisajes resultan tan perfectos como intercambiables al margen de las preferencias de estilo o las virtudes compositivas de cada imagen? ¿Cómo incide en la conciencia del paisaje la visión extraplanetaria de la Tierra? ¿Cuál sería el paisaje de eso que se ha denominado antropoceno? Políticas del paisaje. Sobre la perfección de los desiertos aborda la posibilidad de un punto de vista contemporáneo sobre el paisaje.

Víctor del Río es filósofo e historiador del arte. Actualmente es profesor titular en el Departamento de Historia del Arte de la UNED, con anterioridad también lo ha sido en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Es autor de Fotografía objeto. La superación de la estética del documento; Factografía. Vanguardia y comunicación de masas; La querella oculta. Jeff Wall y la crítica de la neovanguardia; La pieza huérfana. Relatos de la paleotecnología o La memoria de la fotografía. Historia, documento y ficción.