ELLAS. Diccionario de mujeres artistas hasta 1900. (Vol. nº 1) Un total de 717 artistas, entre los años 1060 y 1900, procedentes de más de 50 países, conforman una historia del arte paralela a la oficial. Un conjunto de artistas, movimientos, tendencias, estilos, géneros artísticos y lenguajes plásticos que confirma la presencia y la importancia de las mujeres artistas a través de la historia, con especial atención en los siglos XVII, XVIII y XIX.

Mujeres artistas esenciales en su momento histórico como Angelika Kauffmann o Rosa Bonheur, por supuesto Artemisia Gentileschi, y Claude Cahun; pero también Alice Austen y Tina Modotti, Georgia O’Keefe, y Marie Laurencin, y Madame Yevonde, o Consuelo Kanaga; Gabriele Münter y Nahui Olin, las hermanas Sorolla y Luisa Roldan, o Paula Modersohn-Becker… Fotógrafas, diseñadoras, pintoras, ilustradoras, dibujantes, escultoras, grabadoras, cineastas… Desde Samoa hasta Francia, Estados Unidos o Alemania, desde Ucrania hasta Filipinas. Con una importante presencia de las pioneras latinoamericanas y de las artistas españolas. Un mapa mundial de nombres desconocidos pero imprescindibles para completar la verdadera y total historia del arte universal.

Este primer volumen de ELLAS es la primera parte del proyecto que se completará con un segundo volumen dedicado exclusivamente a las artistas nacidas entre 1900 y 1950, un panorama mucho más abierto y actual, con más visibilidad del trabajo de las mujeres artistas, pero que mantiene muchos de los problemas y actitudes que vemos en siglos anteriores.

De cada artista se da la información biográfica y profesional, incluyéndola en su momento histórico y cultural, analizando su obra e informando de donde se puede encontrar hoy alguno de sus trabajos. Unas 681 imágenes de obra y retratos de época acompañan los textos, y se cierra el libro con los índices alfabéticos, cronológicos, por países y por materia artística, como apoyo a cualquier estudio, consulta o investigación.

Vivimos en una sociedad que necesita documentarlo todo, desde el nacimiento de un hijo hasta una revuelta popular, un accidente o una guerra, una enfermedad o una fiesta. Las experiencias colectivas y las personales, todo se convierte en un documento. Hoy en día cualquier persona provista de una cámara, incluso con un teléfono móvil, se convierte en el árbitro de una realidad cuanto menos dudosa. Pero el fotógrafo profesional, el documentalista real, tiene que hacer frente a un torbellino de dudas y alteraciones en sus fines, en sus objetivos, en sus formatos e, incluso en las razones por las que realiza este trabajo.

Las imágenes de estos nuevos documentalistas se alejan de los tamaños y fines de la fotografía de prensa e incluso de las pensadas para convertirse en un libro, y se transforman en piezas para museo, para galerías o para nuestras propias casas. Los fotógrafos que se han planteado un trabajo de documentación del mundo que les rodea están transformándose, siendo cada vez más artistas y menos transmisores de una realidad objetiva e indiscutible debido a la rápida evolución del lenguaje fotográfico que conecta cada vez más con otras vías de conocimiento y práctica que van desde la semiología a la arquitectura, la literatura, la filosofía o la historia.

A través de los 16 dossieres que componen este número encontramos ejemplos de las diferentes miradas que retratan nuestro mundo, un mundo que es más complejo y serio de lo que nos muestran los telediarios. Nuevas formas de documentar que van acompañadas de textos de los propios artistas donde explican su forma de entender este nuevo cambio en la fotografía documental, su aproximación al individuo, a una historia más humana. Peter Bialobrzeski, Lukas Einsele, Anna Fox Alexander Gronsky, Sunil Gupta, Pieter Hugo, Francesco Jodice, Joachim Koester, Anastasia Khoroshilova, Santu Mofokeng, Ana Teresa Ortega, Dana Popa, Lise Sarfati, Bruno Serralongue, Ahlam Shibli y Begoña Zubero son algunos ejemplos de este nuevo documentalismo, de esta nueva deriva de la fotografía, que nos explican a través de sus imágenes y de sus palabras la manera de aproximarse a su trabajo como archivo, como documento y testimonio de la realidad que vivimos. Siempre desde una perspectiva más cercana, y normalmente de un modo más creativo, más claramente subjetivo y no exento de una belleza que a veces tiene la atracción del abismo.

Hemos invitado a distintos críticos, artistas, comisarios y expertos en fotografía a que eligieran su imagen favorita. Esa foto que de alguna manera les marcó por alguna razón; el artista que siempre les ha acompañado o una composición que influyó en su manera de ver y apreciar la fotografía. Encontraremos distintas respuestas y aproximaciones: Rosalind Krauss, Roland Fischer, Manuel Borja-Villel, Cristina de Middel, Alberto García-Alix o Estrella de Diego son solo algunos de los profesionales que han compartido ese “álbum” secreto. Y han elegido para ello a artistas de la historia de la fotografía como Berenice Abbott, Walker Evans, Koudelka, Nan Goldin o Renger- Patzsch, por citar solo algunos. Pero también hay cabida para aquellas imágenes que por alguna razón permanecen en algunos rincones privados, y que han marcado la trayectoria de fotógrafos como Jonás Bel, Gerardo Montiel Klint o JH Ëngstrom. Tu foto favorita es un homenaje a la fuerza sempiterna de la fotografía, que siempre es la misma: ya sea en una exposición, escondida en una hoja de contactos, o enmarcada sobre una mesilla de noche.

Editorial: 

Mi foto favorita, Rosa Olivares.

Textos:

Ignasi Aballí, Lothar Albrecht, Antonio Ansón, Roger Ballen, Alberto Baraya, Marwan Bassiouni, Jonás Bel, Valérie Belin, Peter Bialobrzeski, Manuel Borja-Villel, Cabello/Carceller, Carmen Calvo, David Campany, Estrella de Diego, Cristina de Middel, Rafael Doctor, Jacques Doyon, Nela Eggenberger, JH Ëngstrom, Manel Esclusa, Peter Fetterman, Roland Fischer, Anna Fox, Jens Friis, Jorge Fuembuena, Paul Gaffney, Alberto García-Alix, Amparo Garrido, Lola Garrido, Marta Gili, Dionisio González, Luis González Palma, Carles Guerra, Felipe Hernández Cava, John Hilliard, Graciela Iturbide, Anastasia Khorosilova, Rosalind Krauss, Jesús Madriñán, Mauricio Maillé, Gerardo Montiel Klint, Rafael Navarro, José Manuel Navia, Cecilia Paredes, Bernard Plossu, Sergio Rubira, Carlos Spottorno, Urs Stahel, Frank Thiel, Rafael Trapiello, Willem van Zoetendaal, Paul Wombell y Octavio Zaya.

La presencia de la fotografía dentro de otras fotografías es una autorreferencia que, de alguna manera, marca la edad adulta de la fotografía, cuando la propia fotografía se vuelve el tema, cuando entra a formar parte con nombre propio de la historia, de la narración. Y es la continuación de la continua ligazón, o tal vez ligadura, de la fotografía con la pintura, a la que continuamente se asoma la fotografía desde su origen.

El texto de Rosa Olivares hace un recorrido histórico a través de fotografías en las que la presencia de la imagen dentro de la imagen ha sido relevante para hacer evolucionar el propio lenguaje. En los dosieres, abordamos el trabajo de Bertien van Manen, Alex Dorfsman, Vivane Sassen, Carmen Winant, Ximena Berecochea, Taysir Batniji, Kenneth Josephson y Dawit L. Petros. Ocho miradas sobre un mismo tema que nos ofrecen múltiples perspectivas y aproximaciones.

Desde la exploración de Kenneth Josephson, que permitió concederle a la fotografía la capacidad de ser un lenguaje conceptual, pasando por el trabajo de Taysir Batniji, con una mirada mucho más antropológica, hasta Bertien van Manen, quien fotografía recuerdos ajenos que, por supuesto, toman forma de fotografías.

Una foto dentro de una foto, un metalenguaje: así podríamos resumir este nuevo número de EXIT.

Editorial:
Una foto dentro de una foto, dentro de otra foto

Textos:
Rosa Olivares. Metafotografía. Desde dentro de la imagen

Artistas:

John Baldessari, Taysir Batniji, Ximena Berecochea, Alex Dorfsman, Robert Frank, Alberto García-Alix, Kenneth Josephson, Priya Kambli, Mark Klett y Byron Wolfe, Leandro Katz, Barbara Kruger, Sherrie Levine, Bertien van Manen, Jana Sophia Nolle, Gloria Oyarzabal, Dawit L. Petros, Adrian Rheinländer, Martha Rosler, Viviane Sassen, John Stezaker, Andy Sewell, Aby Warburg, Carmen Winant.

Mucho sentimiento. Las páginas del nuevo EXIT 82 están llenas de dolor, de soledad y de tristeza, también de amor, de deseo, de placer, de bienestar, de ira y de alegría. Este EXIT 82 está dedicado a los sentimientos y a cómo la fotografía es capaz de atraparlos en un parpadeo, en un guiño, antes de que se escurra por el borde de la lente.

Los textos centrales del presente número proponen un recorrido por la historia de la fotografía como “transportadora” de sentimientos en el caso de Laura Terré; y una revisita a las imágenes de niños llorando de Jill Greenberg por parte de Paul Wombell para hablarnos de la presente situación política en Estados Unidos. Los sentimientos son muchos más de los que uno puede llegar a imaginar. Los hemos trabajado desde la narrativa —fotógrafos que explican una historia repleta de emociones— con Nobuyoshi Araki, Pedro Meyer, Kelli Connell, Laura Stevens, Larry Sultan y Florian van Roekel; desde las expresiones —artistas que se centran en los rostros y en cómo estos expresan sentimientos—, con Kader Attia, Tracey Moffatt, Dawn Parsonage, Edward Rozzo, Sam Taylor Johnson, Antoine d’Agata, Bas Jan Ader y Christopher Anderson; y hemos dedicado un último apartado a ver cómo los avances tecnológicos se han interesado por las emociones, un hecho que se transmite en los proyectos de Satoshi Fujiwara, Clément Lambelet y Lauren McCarthy y Kyle McDonald.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presentamos a Lucero Alomía, Luis Carlos Tovar, Helena Goñi, Alison Luntz y Fabio Cunha.

Reír, llorar....incluso bostezar, todo sentimiento y emoción cabe dentro del nuevo EXIT 82 Sentimientos.

Editorial 

Ser o sentir

Textos

Laura Terré. La llave de los sentimientos

Paul Wombell. End Times

Artistas

Bas Jan Ader, Antoine d’Agata, Lucero Alomía, Christopher Anderson, Nobuyoshi Araki, Julia Margaret Cameron, Kader Attia, Kelli Connell, Fábio Cunha, Therese Frare y Oliviero Toscani, Toni Frissell, Satoshi Fujiwara, Helena Goñi, Jill Greenberg, Clément Lambelet, Charles Levy, Alison Luntz, Lauren Lee McCarthy y Kyle McDonald, Pedro Meyer, Tracey Moffatt, Isabel Muñoz, Dawn Parsonage, Man Ray, Florian Van Roekel, Edward Rozzo, Alfred Stieglitz, Laura Stevens, Sam Taylor Johnson, Larry Sultan y Luis Carlos Tovar.

Vivimos en un planeta que está cubierto por agua en un 70% de su superficie. Los miles de millones de habitantes que la poblamos vivimos en el 30% restante del planeta, en tierra firme, porque dejamos de ser anfibios hace millones de años. El nuevo EXIT 83 está precisamente dedicado a las aguas salvajes, es decir, a los ríos, lagos, acuíferos, cascadas, cataratas, océanos y mares.

El texto central, firmado por Chus Martínez, toma como punto de partida el océano entendido como espacio cultural desde y con el que desarrollar una investigación sobre la necesidad de incluir la naturaleza y el océano en el centro del debate. Los dosieres de EXIT 83 nos llevan debajo del agua gracias al trabajo de Elspeth Diederix y Tiina Törmänen, también al mundo de la pesca con dos miradas tan distintas como pueden ser la de Jean Gaumy y la de Federico Pardo. La cotidianeidad de tener el océano cerca puede verse en el trabajo de Wout Berger y en el de Elina Brotherus, quien se aproxima al tema desde una perspectiva conceptual.

También una aproximación conceptual a las aguas salvajes la tiene Pablo Genovés con sus inundaciones o Roni Horn con su proyecto del río Támesis. El paisaje desde un punto de vista documental lo encontramos en los proyectos de Karen Glaser, Michael Marten, Edward Burtynsky y Jem Southam. Las fotografías de Boris Mikhäilov humanizan el tema gracias al uso lúdico y social que puede tener el agua. Por último Hiroshi Sugimoto nos lleva a la abstracción y a una posible meditación con su serie de océanos y mares bifurcados por el horizonte.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presentamos a Aàdesokan, Bebe Blanco Agterberg, Ana Catarina Pinho, Adéola Ọlágúnjú y Sybren Vanoverberghe.

EXIT 83 Aguas salvajes nos demuestra, una vez más, que múltiples miradas sobre una misma cosa pueden ser infinitamente diversas, infinitamente enrquiecedoras.

Editorial
Como el agua

Textos
Chus Martínez. Principios de un pensamiento sobre el océano

Artistas
Aàdesokan, Wout Berger, Bebe Blanco Agterberg, Elina Brotherus, Edward Burtynsky, Ana Catarina Pinho, Elspeth Diederix, Jean Gaumy, Pablo Genovés, Karen Glaser, Kevin Griffin, Roni Horn, Michael Marten, Boris Mikhaïlov, Adéola Ọlágúnjú, Federico Pardo, Jem Southam, Hiroshi Sugimoto, Tiina Törmänen, Sybren Vanoverberghe.

Cientos, miles, millones de retratos flotan en nuestra memoria individual y colectiva. Los retratos de la historia del arte, los de los famosos, los de los amigos de ayer, de hoy y de todos los futuros, los de mi familia y los de todas las familias que han existido, los de los delincuentes en millones de fichas en los archivos policiales de cada país del mundo. Los selfies de cada día, y los retratos de boda, de bautismo, de cada cumpleaños, de todos los muertos que alguien quiso no perder del todo.... EXIT 87 Tipologías del retrato es, justamente, un número que reúne retratos desde su diversidad más amplia.

EXIT 87 Tipologías del retrato se inicia con un ensayo de Rosa Olivares, quien repasa cómo el retrato ha sido tratado en la fotografía a través de varios artistas como pueden ser Germán Gómez, Thomas Ruff o Catherine Opie entre muchos otros. Son diez los fotógrafos que, a través de sus dosieres, definen las distintas tipologías de retrato de EXIT 87. Pierre Gonnord, especialmente conocido por el tratamiento de la luz y el claroscuro en sus retratos, fotografía la comunidad gitana o colectivos marginalizados como los mendigos; Katy Grannan, usando el entorno urbano como estudio de fotografía improvisado, se acerca a personas anónimas de San Francisco y Los Ángeles; Bill Jacobson, con un estilo mucho más conceptual, trabaja el retrato desde el fuera de foco y la imagen que se devanece; Juan Rodrigo Llaguno nos acerca al retrato más clásico en México y Nikki S. Lee reflexiona sobre cuestiones de género en el retra­to a través de su serie Parts. El retrato y la máscara están presentes a través del trabajo de Ralph Eugene Meatyard y, Nelson Morales, desde un punto de vista más antropológico, nos muestra a las comunidades Muxe de México. La fragmentación en el retrato está presente en el proyecto de Karen Navarro, mientras que Humberto Rivas nos devuel­ve de nuevo a un retrato más clásico en blanco y negro. Por último, mucho más color encontraremos en el trabajo de Carlo Van de Roer, cuyo proyecto está estrechamente vinculado con lo cromático y las emociones en el retrato.

En Portfolio, la sección en la que damos espacio a los fotógrafos más interesantes de las nuevas generaciones, presenta­mos a Céline Bodin, Matthew Leifheit, Rubén Martín de Lucas, Soumya Sankar Bose y a Dana Ariel.

Editorial

Rosa Olivares. Yo soy todos ellos

Textos

Rosa Olivares. El retrato infinito

Artistas tema central

Roger Ballen, Nancy Burson, Germán Gómez, Pierre Gonnord, Katy Grannan, Pieter Hugo, Bill Jac­obson, Juan Rodrigo Llaguno, Nikki S. Lee, Ralph Eugene Meatyard, Hellen Van Meene, Nelson Morales, Zwelethy Mthe­thwa, Karen Navarro, Catherine Opie, Humberto Rivas, Carlo Van de Roer, Thomas Ruff, August Sander, Andrés Serrano

Artistas portfolio

Céline Bodin, Matthew Leifheit, Rubén Martín de Lucas, Soumya Sankar Bose, Dana Ariel

Hijos del agobio. Memoria y desmemoria de la guerra en la fotografía española contemporánea, propone una lectura de la historia de la fotografía española contemporánea desde la Guerra Civil y su huella en las opciones estéticas de tres generaciones marcadas por el silencio, el olvido y la memoria. Se trata de una memoria prestada a los nietos empeñados en recordar con imágenes la historia que sus abuelos callaron y sus padres decidieron olvidar. El ensayo reflexiona y compara el caso español con la gestión de otras guerras y traumas colectivos como la shoah, el memorial del 11M y post-dictaduras como la argentina, uruguaya o chilena. Cómo abordar la museización del dolor, el fenómeno de las recreaciones históricas, la fotografía como arqueología visual, las dificultades y limitaciones a las que se enfrenta para articular un relato con imágenes y textos o el álbum de familia como modelo narrativo, son algunas de las ramas que forman este árbol.

Sobre Antonio Ansón:

Antonio Ansón es autor de obras de narrativa, poesía y ensayos especializados en la relación entre palabra e imagen. Dirigió la colección Cuarto Oscuro dedicada a la fotografía de autor, ha sido asesor del Diccionario de fotógrafos españoles y editado numerosas monografías sobre literatura y fotografía, como Las palabras y las fotos en los encuentros PhotoEspaña, junto a Ferdinando Scianna. Ha comisariado, entre otras exposiciones, Masats/Buñuel en Viridiana (2018). Como si fuera esta noche la última vez (2016), Llamando a las puertas del cielo (premio Cálamo 2008), El limpiabotas de Daguerre, Novelas como álbumes (seleccionado entre los finalistas del XXVII premio Anagrama de ensayo) son algunos de sus libros.