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“Una herida hecha en el mar se tiene que curar en tierra firme, una herida hecha en tierra firme se cura mejor en el mar.” Así empieza “Primavera”, una oda a esa época del año cuando todo florece de nuevo, termina el letargo y acontece el despertar sexual. Es un baile en torno al deseo, la seducción, un camino hacia lugares donde algunas heridas se curan pero otras no acaban de cerrar, donde los amantes olvidan que hay un mundo más allá de las sábanas.
We are a network of photographers and artists who use self-publishing and the management of small publishing houses as tools and mediums of creation. Under this umbrella, we come together to participate in fairs collectively.
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Atlanticidad es un proyecto fotográfico editorial sobre el imaginario compartido entre Canarias y el Caribe. A través de la postfotografía -reapropiación de imágenes de archivo- y textos personales e históricos, Lilia Ana Ramos muestra una realidad poco conocida fuera de las islas, libre de la exotización impuesta por el ojo ajeno.
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EL COLOR DE CHAMBERÍ es el primer fotolibro autopublicado por Velasco & Hu, un dúo creativo con base en Madrid, formado por Carlos Velasco (1981, Madrid) y Kate Hu (1982, Taipéi).
Con este fotolibro Velasco & Hu presentan una colección de robados de los maravillosos estampados y combinaciones de color únicas que las grandes señoras del barrio llevan a diario dando color a la vida en Chamberí, el barrio más castizo de Madrid.
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El proyecto se construye a través de una serie de derivas e impulsos a lo largo de más de cuatro años en los que la toma fotográfica funciona como vía de escape ante una situación de crisis cuando vuelvo al hogar familiar a cuidar a mi madre que sufre un ictus.
La conversación con ese archivo de imágenes me hace ser consciente de fuertes transformaciones y procesos que viví mientras acompañaba a mi madre, durante este desahogo intuitivo con la cámara y que aluden a cuestiones tales como la pérdida o transformación de la figura materna; la vuelta a los paisajes de la infancia; la naturaleza como parte de la composición del ser; el valor terapéutico de la fotografía; el desarrollo del proyecto como herramienta de descubrimiento introspectivo.
Los paisajes y retratos funcionan como contenedores de emociones fruto de búsquedas, encuentros y necesidades. El libro pretende evocar un tránsito del miedo al amor a través de la evolución de la luz y los simbolismos de las propias imágenes y las decisiones de secuenciación y maquetación.
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Una reflexión personal que nace de la propia experiencia de la autora en torno a la figura de la madre, la construcción de la maternidad, y relación madre hija en un acercamiento a sus dilemas y contradicciones. Como telón de fondo está la la memoria y su fragilidad y un cuestionamiento de la fotografía familiar en relación con la memoria.
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En el verano de 2019 filmé por primera vez imágenes en super 8.
En la primavera de 2021 creé una pieza audiovisual con dicho material. Durante ese mismo año se me ocurrió llevar a formato fotolibro esas imágenes.
Hacer fotografías se parece mucho a filmar. Filmar se parece mucho a hacer fotografías. En este proyecto, trabajo a nivel visual con los fotogramas que tiempo antes capturé sin ninguna pretensión, intentando atesorar de alguna manera las imágenes que se escapan cuando son proyectadas a veinticuatro frames por segundo, trazando una suerte de puente entre la imagen fija y la imagen en movimiento.
LA ÚLTIMA VEZ QUE es un ensayo en el que se entremezclan cuestiones personales con notas referidas al proceso creativo; un ejercicio para recordar el motivo por el cual creamos.
- Eva G. Herrero
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En el Manifiesto Futurista Andino se expresa una posibilidad, una metodología para crear arte. Es un texto sistematizado, sin que sea académico, es más subjetivo. Para el autor el arte es esencial porque es la capacidad de ir a otras realidades, una alternativa al mundo tangible que vives, y que como artista eres capaz de inventar lo que está detrás de esa puerta o ventana. Ese es el poder del arte: la invención y la creación de nuevas cosas que nadie ha imaginado.
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Hago fotos, muchas fotos y luego es cuando me encuentro que hay una idea, un proyecto, una emoción, pensamiento o algo que quiero trabajar más en profundidad. En este caso, las fotos las hice sin pensar en realizar con ellas un proyecto. Las dejé sin revelar durante mucho tiempo, y posteriormente en un momento encuentro ese carrete, lo revelo y comienzo experimentar con ellas. Saco una tira de contactos, elijo algunas que me gustan y comienzo a positivarlas en papel y a ampliarlas. Creo que inconscientemente estaba recreando la película Blow UP, donde el protagonista es un fotógrafo que mediante ampliar muchas veces una foto encuentra otras imágenes que en un primer momento no se perciben. Me interesó ese juego, esos recortes constantes sobre la imagen. Con esta idea ya más clara, comencé a trabajar con los negativos, ampliando zonas que me interesaban y repitiendo ese proceso una y otra vez.
- Karina Morante
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“Una herida hecha en el mar se tiene que curar en tierra firme, una herida hecha en tierra firme se cura mejor en el mar.” Así empieza “Primavera”, una oda a esa época del año cuando todo florece de nuevo, termina el letargo y acontece el despertar sexual. Es un baile en torno al deseo, la seducción, un camino hacia lugares donde algunas heridas se curan pero otras no acaban de cerrar, donde los amantes olvidan que hay un mundo más allá de las sábanas.
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Un trabajo fotográfico coral en torno a la figura de la poeta Edna St. Vincent Millay y lo que ella representó. Primera mujer en ganar el premio Pulitzer de poesía en 1923, una de las mujeres más influyentes de la poesía del siglo XX, portavoz de su generación para la igualdad de género y representante de la Nueva Mujer de los años 20. Una manera de rescatar y visibilizar su figura con una mirada contemporánea junto a otras ocho fotógrafas actuales, y poner en diálogo su poesía con imágenes generadas a partir de ella, junto a imágenes del archivo personal de la poeta intervenidas.
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En ‘La República Bananera’, Nagabe refleja, desde su particular punto de vista, las convulsiones de las políticas mundiales actuales, utilizando su estética colorista y hasta divertida habitual con la que se enfrenta a temáticas tan duras como chocantes.
En tiempos en los que la realidad parece suspendida, esta serie es “una respuesta a este estado de desilusión y desencanto político y social actual”. El realismo surrealista de la serie se basa en hechos existentes, pero extrapolados al mismo nivel de fantasía que encontramos en tantos discursos en estos momentos.
Esta república, inventada por Shinji Nagabe, está bajo el gobierno de un dictador cruel y populista. Los plátanos se utilizan para cegar y censurar, mientras que los grupos de resistencia los utilizan para fabricar armas y bombas de tubo. Esta respuesta visceral prepara el terreno para la guerra de guerrillas entre los rebeldes y el gobierno conservador y retrógrado.
Las transformaciones sociales y políticas experimentadas recientemente en tantos países se reflejan en este proyecto. La inmersión en esta república ficticia y su ácida fantasía tropical nos hace reflexionar sobre el papel de cada uno de nosotros en los rumbos que elegimos para nuestras comunidades y los que nos llevarán a elegir en el futuro.
©clavoardiendo-magazine
El fotolibro está compuesto por 6 cuadernos cosidos en diferentes composiciones, lo que permite 6 diferentes cubiertos y "órdenes" de lectura. Viene con un póster A2 doblado, que también es la faja del libro.
Libro Seleccionado PhotoEspaña 2022 (ES), Rencontres d'Arles 2022 (FR), FestivalZUM- IMS 2021 (BR)
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Una Gran Expectativa Sobre Nada surge de una crisis existencial: es un cóctel de frustración, rabia y nostalgia. De un pasado ahora idealizado, las imágenes surgen y traen de vuelta aquellos sueños, promesas y grandes decepciones cubiertas de una fina capa de ironía. Las canciones, los juegos y el entusiasmo que nos mantenían en pie van perdiéndose conforme pasan los años, pero nunca llegan a desaparecer, ablandando la caída y alejando modelos de vida que parecen inasumibles.
Este fanzine da salida a todo el desencanto contenido tras las crisis económicas, creativas y personales, poniendo el foco sobre el pasado y mirando hacia el futuro con fuerzas renovadas y esperanza en el trabajo colectivo.
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Unlimited Prints es un nuevo formato que apuesta por distribuir obra fotográfica original no seriada.
Cada caja incluye seis fotografías de un autor, en tamaño 30x40 cm, y una obra narrativa de 32 páginas escrita por otra figura destacada.
Esta edición presenta “Mr. Stupid”, un proyecto que desenmaraña las tensiones económicas que nos rodean, en forma de diario visual de un personaje entrañable.
